Cine-Phylum – A Evolução da Espécie

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Crítica:

“The Visitor”, infelizmente, cometeu o mesmo erro que muitos filmes atuais vem cometendo: conta com aquela promoção: “pague por 1 muito bem feito e assista a 2 não tão bem feitos”. Este é o caso do fraco “Austrália”, só para citar um exemplo. Mas se tem uma coisa que “The Visitor” não é: é ser um filme fraco. Muito longe disso, mas muito longe mesmo. O filme de Thomas McCarthy é uma obra acima da média e merece todo o respeito o possível. O roteiro, por exemplo, merecia estar concorrendo a “Melhor Roteiro Original”, mas acabou cedendo lugar a muitos outros filmes indignos do mesmo.

Começamos com Walter, um professor universitário extremamente frio e solitário. Sua esposa faleceu há algum tempo e isso evidentemente deixou “buracos” em sua vida. Ele passa a ter dificuldades gigantescas em se relacionar com os seus semelhantes, o que o torna uma pessoa bastante insensível, como podemos reparar na cena em que ele dispensa a professora de piano do modo mais frígido o possível.

O professor vai a serviço a Nova York e passa por um incidente: o apartamento que está em seu nome encontra-se locado, sem ele ter ciência disso, a um casal de imigrantes ilegais, Tarek e Zainab. Após uma breve confusão, a situação se esclarece e os “visitantes” de Walter decidem ir embora. É aí que passamos a notar um resquício de humanismo no velho catedrático, quando este propõe ao casal que passe um tempo hospedado em seu apartamento.

Durante esta convivência fria, em virtude do caráter de Walter, o professor se surpreende ao descobrir em Tarek um dom que lhe atrai muito: tocar tambor perfeitamente bem. Ao notar o interesse do dono do apartamento pelos seus dons, o jovem imigrante passa a ensinar ao velho tudo o que sabe. O professor universitário descobre na música a razão de existir. O filme ganha um ritmo fabuloso, uma sensibilidade incomparável, torna-se um objeto de Arte dos mais fantásticos de se apreciar. A relação entre Tarek e Walter se torna excepcional e é incrível podermos reparar o modo como a música os une e torna a vida de ambos mais preenchida.

Aí, quando passamos a adorar o filme (e confesso que estava pensando em dar uma nota 10,0 ao mesmo enquanto o assistia até então), surge uma estória completamente diferente. Um incidente nada bom ocorre com Tarek e ele passa a precisar da ajuda de Walter. A partir daí, o professor passa a ser o visitante, aquele que vai ver o amigo estrangeiro com uma certa frequência no lugar desagradável onde este encontra-se. A magia que o filme nos passava em seu início cai bastante, mas não há como não continuarmos dando crédito ao longa, ainda que não seja tanto o quanto era dado antes, em razão de sua interessante abordagem: o xenofobismo (ainda que não em sua forma mais crua e cruel) que o governo estadunidense se vê obrigado a adotar.

Com o 11 de setembro de 2001, os Estados Unidos da América tiveram que adotar uma política xenofóbica, principalmente contra os estrangeiros oriundos de países mulçumanos, e isso fez com que muitas pessoas que tinham o sonho de crescer na terra das oportunidades, fossem deportadas para casa. E por mais cruel que seja a atitude do governo estadunidense, não há como não entendermos o lado deles, afinal de contas, qual nação no mundo não agiria da mesma forma (e por aí vocês podem notar que nem sempre sou o pseudo-intelectual com mania de perseguição aos Estados Unidos da América, as vezes dou parecer favorável a certas atitudes adotadas pela maior potência econômica mundial (por pouco tempo, mas ainda é a maior potência econômica), e esta é uma delas)?

“The Visitor” se revela então uma obra cinematográfica mais do que interessante no que diz respeito à abordagem da imigração ilegal, mas, francamente, o roteiro de Thomas McCarthy (e mais uma vez eu digo, deveria estar concorrendo ao Oscar), inteligente como demonstra ser, não deveria ter encerrado uma trama e iniciado outra de modo tão abrupto. McCarthy deveria ter nos dado, ao menos, uma pequena pista de que, mais cedo ou mais tarde, a trama envolvendo o encontro de Walter com a música iria se encerrar e passar a dar ênfase ao preconceito com que os imigrantes são tratados. Ou então deveria simplesmente ter desenvolvido um pouco mais a trama inicial.

De uma forma ou de outra, seja contando um drama existêncial (Walter e a música), seja contando um drama político-social (os imigrantes ilegais), o roteiro de Thomas McCarthy se mostra fenomenal. E McCarthy não merece crédito apenas pelo roteiro, como também por sua direção que, apesar de não criar ângulos magistrais, confere à trama toda a sensibilidade necessária. O elenco se mostra bastante satisfatório, sobretudo Richard Jenkins que encarna muito bem um homem triste e racional ao extremo que passa a ver na música e em Tarek, Zainab e em uma outra mulher que não irei descrever, sob pena de tirar a carga dramática do filme, o propósito para a sua vida vazia. Contudo, não creio que o trabalho de Jenkins seja digno de uma indicação ao Oscar, mas enfim, se essa é a única maneira que a Academia encontrou para reconhecer o brilhantismo do filme em questão, tudo bem. É claro que uma indicação a “Melhor Roteiro Original” viria mais a calhar, mas quem sou eu para dizer isso?

Avaliação Final: 8,0 na escala de 10,0.

Ficha Técnica:
Título Original: Rachel Getting Married.
Gênero: Drama.
Ano de Lançamento: 2008.
Site Oficial: www.sonyclassics.com/rachelgettingmarried
Nacionalidade: Estados Unidos.
Tempo de Duração: 114 minutos.
Direção: Jonathan Demme
Roteiro: Jenny Lumet
Elenco: Anne Hathaway (Kym), Rosemarie DeWitt (Rachel), Mather Zickel (Kieran), Bill Irwin (Paul), Anna Deavere Smith (Carol), Anisa George (Emma), Tunde Adebimpe (Sidney), Debra Winger (Abby), Jerome Le Page (Andrew), Beau Sia (Norman Sklear) e Dorian Missick (Dorian Lovejoy).

Sinopse: Kym (Anne Hathaway) é uma ex-drogada que recupera-se de sua antiga dependência em uma clínica para viciados em narcóticos. A jovem é liberada por um fim de semana para visitar a família durante o casamento de sua irmã Rachel (Rosemarie DeWitt) e quando chega em casa um ‘fantasma’ do passado, diretamente ligado ao vício da jovem, passa a atormentar toda a família, principalmente a própria Kym.

Rachel Getting Married – Trailer:

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Crítica:

Quando adolescente, lembro-me de que adorava ir ao casamento de parentes. Não pela festa em si, muito menos pela alegria ao ver duas pessoas que se amam contraindo casamento, até mesmo porque, se atualmente sou uma pessoa bastante fria no que diz respeito ao amor, antigamente eu era ainda mais frio e invulnerável em relação a este sentimento hipócrita. Logo, quando vejo duas pessoas contraindo casamento (e gosto sempre de anteceder a palavra ‘casamento’ por ‘contrair’, pois para mim é como se tal união realmente fosse uma doença, uma doença hipócrita de uma sociedade hipócrita) sinto pena de ambas, do mesmo modo que sinto pena de um nascituro que aguarda, durante um longo período de melancolia (nove meses, para ser mais exato), o nascimento para uma existência ainda mais melancólica (por um acaso, o leitor já reparou que faço uso destas críticas cinematográficas para divagar sobre filosofia niilista passiva?). Enfim, o motivo pelo qual gostava de tais cerimônias era poder embriagar-me gratuitamente, é claro. Agora, imagine você, caro leitor, ter de assistir a um casamento de pessoas desconhecidas e não poder embriagar-se para passar o tempo. Pois é, essa é a sensação que temos durante alguns momentos de “O Casamento de Rachel”, o mais novo filme de Jonathan Demme.

Quando o filme começa, Paul (Bill Irwin) vai buscar a filha Kym (Anne Hathaway) em uma clínica para tratamento de dependentes químicos. A garota, logo no início do longa, revela que conseguiu abandonar o vício e está “limpa” há, pelo menos, nove meses. Quando a jovem chega em casa, todos a recebem muito bem, sobretudo a irmã Rachel (Rosemarie DeWitt), e tal recepção é recíproca. Infelizmente, o filme então descamba para uma sucessão de cenas completamente dispensáveis que só se revelam capazes de nos aborrecer, nada além disso. Começamos com o ensaio do casamento de Rachel que, apesar de mostrar uma vasta criatividade durante a sua composição (afinal de contas, é um casamento bem moderno e que foge das tradições de um matrimônio convencional), se revela longo e desnecessário demais. Digo isso também do jantar que ocorre no mesmo dia, onde conhecemos um pouco dos personagens Sidney e Rachel através de depoimentos feitos pelos amigos do casal. O problema é que o foco do filme, em si, deveria residir na conturbada volta de Kym ao lar, conforme a sinopse nos indica, e não no casamento de sua irmã que, apesar de ser um acontecimento que intitula a obra, nada mais deveria representar do que uma ferramenta utilizada de pano de fundo para explorar a “nova” Kym em seu antigo ambiente (notaram a antítese? Ah, por favor, digam que sim!).

Outra gravíssima falha cometida logo no início da trama, reside na fraca direção de Jonathan Demme (e apesar de não ser um grande fã de seus filmes (nem mesmo de “O Silêncio dos Inocentes”), confesso que nunca imaginei ter de dizer algum dia que a direção do mesmo consistia em um dos maiores defeitos de um determinado filme, pois sempre reconheci a competência de Demme). Além de o diretor demonstrar uma falta de sutileza terrível ao homenagear a si mesmo (algo que a Rede Globo de Televisão sempre realiza da forma mais arrogante e artificial o possível), fazendo a protagonista Kym citar Hannibal Lecter (o mais famoso personagem de seu mais famoso filme “O Silêncio dos Inocentes”) logo nos primeiros momentos de projeção, o cineasta ainda adota o tipo de direção que está na moda da maneira mais falha que se pode imaginar. Qual é o tipo de direção a qual estou me referindo? A mesma utilizada por Darren Aronofsky em “O Lutador” e, parcialmente, adotada por Gus Van Sant em “Milk – A Voz da Igualdade”, ou seja, a direção com a câmera, literalmente, na mão. Trata-se da câmera balançada que nos dá a impressão de assumirmos a função de observador direto da trama. O problema é que Jonathan Demme emprega tal recurso de um modo muito confuso, e logo nos primeiros momentos do filme, o modo desajeitado como ele balança a sua câmera nos deixa atordoado. Mas Demme, felizmente, limita-se com o passar dos minutos e volta a ser aquele competente diretor de “O Silêncio dos Inocentes”. O mesmo parece amadurecer-se com o desenrolar do filme e a direção desajeitada, exibida durante o primeiro ato do longa, vai ganhando forma e sendo empregada de maneira correta.

Mas não apenas a direção de Demme melhora com o desenrolar da trama. Outro ponto que se fortalece conforme a mesma avança é o seu roteiro. Após os primeiros quarenta minutos, o longa passa a focar-se totalmente no problema de Kym e na maneira como um ‘fantasma’ do passado ainda atormenta a sua família (e lamento não poder citar aqui qual ‘fantasma’ viria a ser este, sob pena d
e estragar a sensação que o leitor terá ao assistir ao filme e ouvir a própria Kym narrar o sucedido).

O mais interessante é que o roteiro não narra o rombo que a dependência de Kym causou em sua família do modo convencional e piegas como os demais filmes do gênero o fazem. Em “O Casamento de Rachel” tudo é realizado na medida certa. Primeiramente, Kym não é mais viciada em drogas e o roteiro de Jenny Lumet acerta muito em optar por retratar uma jovem que conseguiu se recuperar de tal dependência. Evitando todos os clichês possíveis, Lumet cria uma personagem arrependida, mas que não consegue reparar os graves danos que causou à própria família em virtude de seus problemas com os entorpecentes. Logo, a sua volta ao lar é como se fosse a volta de seus antigos problemas. Não apenas isso, como também a volta de certas lembranças das quais os membros de sua família gostariam de esquecer definitivamente.

O drama do retorno de Kym passa então a contrastar com a alegria proporcionada pelo futuro casamento de sua irmã Rachel, e Demme, como já era de se esperar, sabe lidar magistralmente bem com ambos os lados da moeda. A visível falta de sutileza demonstrada no início do filme, conforme citei mais acima, é deixada de lado. No lugar, entra uma direção ponderada e contida, fazendo com que a trama consiga explorar o máximo de sua protagonista.

E, sejamos francos, explorar uma personagem complexa como Kym não é tarefa das mais fáceis. A garota é bipolar ao extremo, insegura, complexada e dificílima de lidar. Ora ela aparenta ser uma pessoa tranquila, ora ela aparenta ser uma pessoa emocionalmente desequilibrada. A cena em que ela discute com a sua verdadeira mãe ilustra bem isso. Kym conversa com a mãe normalmente, logo em seguida ela pensa no passado e começa a discutir fortemente com a mesma, resultando na cena mais forte do filme. A propósito, a decisão de conferir um papel complexo destes à competente atriz Debra Winger revela-se uma escolha tremendamente inteligente de Jonathan Demme e é surpreendente notarmos que, em tão pouco tempo em cena, a atriz confira tanta força à trama, da mesma forma que Viola Davis fez no ótimo “Dúvida”.

E falando em atuações, o que dizer então do trabalho de Anne Hathaway? Aliás, não há nem o que falar. A atriz realmente dá um show, e já digo logo de cara, se fosse eu quem atribuísse o prêmio aos concorrentes ao Oscar de todas as categorias, Hathaway certamente venceria melhor atriz. O trabalho da garota é simplesmente incrível, tanto pela expressividade da mesma, como pela maneira convincente com que altera o seu tom de voz e, principalmente, pela naturalidade (salvo quando o roteiro a força agir artificialmente, conforme já fora citado) com a qual encarna a complexa Kym. Um trabalho fabuloso, sem dúvida alguma. O melhor de toda a carreira da jovem atriz.

“O Casamento de Rachel”, infelizmente, volta a cometer o mesmo erro que havia cometido em seu início, conforme vai se aproximando de seu desfecho. O casamento anunciado no título finalmente chega, e quando chega, nos remete novamente a mesmíssima sensação do primeiro ato do longa: a de estarmos assistindo a uma longa cerimônia de casamento e não podermos encher a cara para nos divertimos um pouco e deixar de lado a insuportável chatice contida nessas cenas. E por mais que a cerimônia seja, no mínimo, curiosa, com direito a música do Neil Young, bandas de rock e, pasmem, um micro desfile de escola de samba parecido com os do Rio de Janeiro (e se eu já odeio assistir a um casamento sem poder me embriagar enquanto o faço, imagine então assistir a um casamento sem poder me embriagar e, de quebra, ter que assistir a algo que me lembre o Carnaval, festa que, caso um dia eu me torne ditador e assuma o poder no governo do Brasil, será completamente abolida).

Em suma, o mais recente filme dirigido por Jonathan Demme sofre durante o seu primeiro ato inteiro e parte dessa culpa é oriunda do próprio Jonathan Demme. O diretor, na tentativa de entrar na moda das direções com câmeras na mão, filma o longa de um modo cansativamente confuso. O roteiro peca gravemente por dar ênfase demais aos preparativos do casamento anunciado no título e deixa de lado a estória mais interessante: o retorno da ex-viciada Kym e o modo como os antigos problemas da família voltam a assombrar a mesma alguns anos mais tarde. Destarte, tanto o roteiro, como a direção, tomam o rumo certo e o filme ganha muita força, criando uma protagonista de peso, cujo drama contrasta fortemente com a felicidade conferida pelo casamento de Rachel. O elenco todo (todo mesmo, sem exceções) rende atuações magistrais e Anne Hathaway faz uma atuação digna do Oscar que não irá receber. Nada contra Kate Winslet, até mesmo porque ela fez um ótimo trabalho, mas o grande trunfo de “O Leitor” reside no roteiro do filme, e não em sua atuação, diferentemente de Anne Hathaway, cujo trabalho desempenhado em “O Casamento de Rachel” consiste na maior qualidade deste.

Avaliação Final: 7,5 na escala de 10,0.

Ficha Técnica:
Título Original: Frost/Nixon.
Gênero: Drama.
Ano de Lançamento: 2008.
Tempo de Duração: 122 minutos.
Site Oficial: http://www.frostnixon.net/
Ano de Lançamento: Estados Unidos da América, Inglaterra e França.
Direção: Ron Howard.
Roteiro: Peter Morgan, baseado em peça teatral de Peter Morgan.
Elenco: Frank Langella (Richard Nixon), Michael Sheen (David Frost), Sam Rockwell (James Reston Jr.), Kevin Bacon (Jack Brennan), Matthew Macfadyen (John Birt), Oliver Platt (Bob Zelnick), Rebecca Hall (Caroline Cushing), Toby Jones (Swifty Lazar), Andy Milder (Frank Gannon), Kate Jennings Grant (Diane Sawyer), Gabriel Jarret (Ken Khachigian), Jim Meskimen (Ray Price), Patty McCormack (Pat Nixon), Clint Howard (Lloyd Davis), Rance Howard (Ollie), Eloy Casados (Manolo Sanchez), Jay White (Neil Diamond), Wil Albert (Sammy Cahn), Keith MacKechnie (Marv Minoff), Jenn Gotzon (Tricia Nixon) e Mark Simich (Hugh Hefner).

Sinopse: O filme trás até nós a real entrevista que o presidente Richard Nixon (Frank Langella), primeiro e único chefe de estado a renunciar o mandato na história dos Estados Unidos da América, realizou com o jornalista inglês David Frost (Michael Sheen), jovem inexperiente e de pouco respeito entre os profissionais do meio, no ano de 1977. O assunto em pauta foi o esclarecimento de alguns pontos que haviam ficado obscuros durante o mandato de Nixon. Considerado incomunicável pelos profissionais do ramo, o ex-presidente estadunidense só aceitou realizar a entrevista com o jornalista por causa da alta quantia em dinheiro envolvida e por imaginar que, devido à inexperiência de Frost, seria fácil enganar o mesmo e não entregar os detalhes mais sigilosos de sua polêmica passagem pela Casa Branca. Ledo engano. Durante o primeiro dia de entrevista, Frost parecia inseguro e fácil de se ludibriar, mas a partir do segundo dia o jovem começa a ganhar segurança e, já no terceiro, passa a travar uma tensa “batalha verbal” com o político, resultando em um programa com uma extraordinária audiência.

Frost/Nixon – Trailer:

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Crítica:

Richard Milhous Nixon foi uma das figuras mais polêmicas (senão ‘a’ mais polêmica) a assumir a chefia absoluta do poder executivo dos Estados Unidos da América. Ao mesmo tempo em que o ex-presidente ficou positivamente marcado por dar início às comercializações com a China, manter relações amigáveis com a União Soviética e negociar o cessar fogo com o Vietnã, o californiano também foi o responsável pela morte de inúmeras pessoas após realizar atentados contra os vietcongues (os mesmos com os quais viria a negociar a paz posteriormente) e, é claro, teve uma participação ativa no escândalo de Watergate (que tratava-se de uma operação contra o Partido Democrata onde cinco pessoas foram presas após invadir o Complexo Watergate, onde fica a sede do Comitê Nacional Democrata, fotografar documentos e instalar câmeras de escuta no escritório do partido opositor), embora negue veementemente isso.

Destarte, era de se esperar que uma figura dessas ganhasse vários filmes abordando a sua conturbada passagem pela Casa Branca, principalmente relatando o seu envolvimento com o Caso Watergate. Dentre tais obras cinematográficas, destaca-se o clássico “Todos os Homens do Presidente” e também “Nixon” de Oliver Stone, “Todas as Garotas do Presidente” e, recentemente, este “Frost/Nixon” (sem contar a citação que é feita no filme “Forrest Gump – O Contador de Histórias”, onde o personagem de Tom Hanks afirma, em um momento jocoso empregado pelo roteiro, que fora ele quem descobrira toda a verdade sobre o Escândalo Watergate) que difere das demais obras citadas por abordar o mais polêmico caso de corrupção da história dos Estados Unidos da América três anos após a renúncia de Nixon, quando o caso já havia perdido um pouco da projeção que tivera na época em que ‘estourou’, mas se tornara ainda mais polêmico em virtude a uns pontos que ainda não haviam sido esclarecidos totalmente.

O filme utiliza então, como base para a estória, a entrevista realizada entre o apresentador inglês David Frost e o ex-presidente estadunidense Richard Nixon. Ambos, indivíduos interessantíssimos e magistralmente abordados pelo roteiro. Frost é um jovem apresentador inexperiente, sua fama é grande em virtude à baixa qualidade de seus programas, e não graças as suas qualidades profissionais, e a sua credibilidade entre os profissionais da área é muito baixa. Entretanto, o rapaz conta com uma característica que se revela mais importante a todo o jornalista do que as citadas acima: ele é extremamente audacioso. Audacioso o bastante para investir uma larga quantia em dinheiro, seiscentos mil dólares para ser mais exato, em uma entrevista cujas chances de fracasso revelam-se enormes. Mas Frost é persistente e a sua coragem nos cativa.

E Nixon? Nixon já é uma “raposa velha”. Inteligente, vivido, esperto, experiente, ardiloso, e tão audacioso quanto Frost. Com a experiência de vida que possui, o ex-presidente recusa-se a dar entrevista a quaisquer mídias que seja, por mais convidativa que a oferta lhe aparente. Nixon não quer entregar pontos confidenciais de sua campanha política. Para isso, o mesmo se torna praticamente incomunicável. Contudo, o político é mais astuto do que se podia imaginar. Ele aceita uma proposta para fazer uma entrevista com o jornalista Frost. Desta forma, pode-se matar dois coelhos com uma cajadada só: o velho consegue uma considerável quantia em dinheiro oferecida pela entrevista e, de quebra, ludibria Frost valendo-se da inexperiência do mesmo tentando responder as perguntas deste passando-se por um cidadão bom, injustiçado e de caráter ilibado.

E se os dois protagonistas deste filme, sozinhos, já se revelam fascinantes, imagine então o que acontece quando ambos dividem a cena. É óbvio que o grande trunfo do longa reside nas “batalhas verbais” travadas entre ambas durante a tão conturbada entrevista. Durante o último dia em que eles se encontram, o filme pega fogo. O duelo de atuações travado entre Michael Sheen e Frank Langella é digno de se cair o queixo. Ambos se revelam expressivos na medida certa, alternam o tom de voz conforme o necessário, conferem uma efusividade fora do comum à cena em questão e, ouso dizer, não imagino outros dois atores para comporem os papéis de um modo tão magistral. O duelo entre ambos se revela uma das químicas entre atores mais sensacionais do Cinema deste início de século. É óbvio que jamais os compararia com F. Mu
rray Abraham e Tom Hulce em “Amadeus”, seria um grande exagero de minha parte, mas não há como negar que a dupla é fantástica e atribui ao longa a tensão requisitada para tal.

Individualmente, ambos os atores também se saem muito bem. Sheen adota o seu charme habitual para compor o personagem e, embora se revele um pouco caricato algumas vezes (note o modo como o mesmo tende a sorrir artificialmente durante alguns momentos do filme), o ator mostra total liberdade quando assume a responsabilidade do longa para si, construindo um David Frost sob medida, semi-perfeito. É Langella, no entanto, quem rouba a cena encarnando com magnificência um Richard Milhous Nixon praticamente irretocável. Não só o excelente trabalho de maquiagem, que confere ao ator uma incrível aparência física com o 37º presidente estadunidense, como também a composição de Langella “ressuscitam” o político e o transferem para o Cinema. Dono de um talento ímpar, o ator faz um trabalho invejavelmente competente e digno de ser aplaudido de pé. A expressividade de Langella é fantástica, mas ainda assim é um pequeno detalhe diante de seu carisma e do preciso tom de voz empregado para encarnar o ex-político.

E a direção de Ron Howard? Bem, não sou um dos grandes fãs de Howard, mas confesso que vez ou outra ele faz um trabalho extremamente interessante, assim como ocorreu em “Uma Mente Brilhante” que, apesar de supervalorizado, é um ótimo filme. Em “Frost/Nixon”, o cineasta adota, já de cara, uma direção ágil e dinâmica que, associada à montagem de Daniel P. Hanley e Mike Hill, confere um ritmo impressionante ao longa. Howard trabalha, a princípio, com vários e incansáveis ‘closes’ e faz de seu filme um exercício de direção bastante chamativo. Infelizmente, o diretor vai perdendo o ritmo durante o desenrolar da trama, mas não se pode dizer jamais que o seu trabalho aqui é menos do que ótimo.

Gostaria de destacar também os diálogos do filme. Confesso que, durante alguns momentos, as falas de seus personagens me remeteram à deliciosa sensação de estar assistindo a um filme roteirizado por Woody Allen. Como não comparar coisas do tipo: “___ Você adoraria Viena. É como se fosse Paris, mas sem a França.” e “___ Na minha opinião, você deveria se casar com este garota. ___ Sim, ela é adorável, não é?___ Mais importante do que isso. Ela é de Monaco, e eles não pagam impostos lá.”, com a maestria empregada por Allen a fim de criar os seus diálogos?

Ah mas “Frost/Nixon” não é só qualidades. Não, não, muito pelo contrário, o mesmo apresenta muito defeitos e boa parte deles são imperdoáveis e, até mesmo, infantis. Comecemos pela personagem de Rebecca Hall. Hall é uma atriz carismática, talentosa, bonitona e possui um corpo incrivelmente suculento (e olha que sou assexuado). Entretanto, estes não são atributos o bastante para colocá-la no filme. Não se o roteiro não criar uma personagem suficientemente interessante para a trama. E o bem da verdade é que Caroline Cushing não tem propósito nenhum no filme, nem mesmo para aumentar a carga dramática do mesmo. Em outras palavras, Rebecca Hall é totalmente dispensável à trama (ah, que pena! Ela tem um corpo tão delicioso! Mas fazer o quê?).

Caroline Cushing, todavia, é o menor dos defeitos de “Frost/Nixon” (e eu já disse que a atriz tem um corpo digno de se desejar pular na tela da sala de cinema?). A jovem aparece apenas com o intento do roteiro formar um dispensável par romântico com David Frost e, apesar disso ser uma falha tola, não podemos considerar um pecado capital. Não, de modo algum, pecado capital é você dizer que vai realizar um filme que conta com uma entrevista para lá de reveladora de um dos presidentes mais odiados da história dos Estados Unidos da América (senão, “o” mais odiado) e, ao invés de focar-se apenas na entrevista, optar por dar muita importância aos bastidores da mesma.

Sim, é claro que vermos os preparos para o programa liderado por David Frost confere uma interessante carga dramática ao filme, mas em alguns momentos este pré-entrevista se torna um tanto o quanto fútil e adiciona ao longa cenas extremamente desnecessárias para o seu resultado final, como é o caso da longa sequência que ilustra o encontro entre o apresentador e Nixon (esta cena não é necessariamente desnecessária, mas deveria ser bem menor do que realmente é), a festa de aniversário de Frost e muitas outras que nada acrescentam à trama. A propósito, só para o leitor ter uma idéia de como o filme demora para chegar em seu ponto principal, a entrevista só tem início depois dos primeiros cinquenta e quatro minutos de projeção.

Infelizmente, os defeitos não param por aí. Não, muito pelo contrário, deixei o pior para o final. É claro que, assim como qualquer outro político (e qualquer outra pessoa, diga-se), Richard Nixon tinha as suas qualidades. Contudo, é lamentável vermos o filme, que se propunha a mostrar o programa que trouxe à tona muitos dos mistérios que envolviam o Caso Watergate, tentar passar a imagem de que Nixon era um bom sujeito e só fez o que fez pois julgou ser o mais correto durante a ocasião, ou seja, não teve malícia alguma em suas atitudes.

Oras, sabemos muito bem que Nixon agiu erroneamente, independentemente da filosofia que adotava na época ou não, então por quê o filme faz tanta questão de humanizar o presidente? Por que o filme faz tanta questão de o tratar como um pobre ser amargurado e arrependido? Enfim, o Nixon do final do filme, é um Nixon artificial. E mesmo que o presidente tenha adotado uma forte postura de arrependimento e vergonha na vida real, o filme deveria manter-se imparcial quanto a isso, seguindo o exemplo do excelente “Boa Noite, e Boa Sorte”. O que dizer então da artificialidade da cena em que Nixon, consideravelmente embriagado, liga para Frost, minutos antes da parte final do programa, e realiza um discurso incentivando este a dar o melhor de si na entrevista final? Lamentável, algo totalmente dispensável para um filme que, até então, havia cometido apenas erros simples, que pareciam ser incapazes de tirar-lhe o status de um filme cinco estrelas.

“Frost/Nixon”, enfim, revelou-se uma agradável surpresa, uma vez que as suas indicações ao Oscar vinham sendo muito questionadas. O longa se propõe a fazer uma analise extraordinária de um momento crucial para a história estadunidense: quando um dos personagens mais polêmicos daquela nação revelou, diante das câmeras, detalhes importantíssimos e, até então, sigilosos sobre o Caso Watergate. Os personagens são suficientemente interessantes para prender o espectador, a direção e a montagem são ótimas e o duelo de atuações entre Langella e Sheen é fenomenal, bem como o tenso “combate” travado entre Frost e Nixon, algo que faz jus ao excelente título conferido a esta película, que por si só, já dá uma inegável sensação de confronto direto entre duas pessoa. Contudo, ao contrário de filmes como “Boa Noite, e Boa Sorte”, o jornalismo político aqui é abordado de um modo que mostra a indispensabilidade deste para o desenvolvimento de uma nação, mas diferentemente do filme de George Clooney, a estória aqui, infelizmente, não se mostra totalmente imparcial. As tentativas de humanizar Nixon são todas repugnantes. O longa ainda confere importância demais aos bastidores da entrevista, inserindo no filme cenas totalmente dispensáveis e que ficariam bem melhor caso a montagem (que repito, apesar de tudo, é ótima) as tivesse excluído. No geral, é um ótimo filme, e um dos poucos que realmente mereceram a indicação ao Oscar deste ano.

Avaliação Final: 8,0 na escala de 10,0.

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Ficha Técnica:
Título Original: Doubt.

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Ficha Técnica:
Título Original: The Reader.
Gênero: Drama.
Ano de Lançamento: 2008.
Site Oficial: http://www.thereader-movie.com/
Nacionalidade: Estados Unidos da América / Alemanha.
Tempo de Duração: 124 minutos.
Diretor: Stephen Daldry.
Roteirista: David Hare, baseado em livro de Bernhard Schlink.
Elenco: David Kross (Michael Berg – jovem), Kate Winslet (Hanna Schmitz), Ralph Fiennes (Michael Berg – adulto), Jeanette Hain (Brigitte), Susanne Lothar (Carla Berg), Alissa Wilms (Emily Berg), Florian Bartholomäi (Thomas Berg), Friederike Becht (Angela Berg), Matthias Habich (Peter Berg), Bruno Ganz (Prof. Rohl), Max Mauff (Rudolf), Karoline Herfurth (Marthe), Lena Olin (Rose Mather / Ilana Mather), Alexandra Maria Lara (Ilana Mather – jovem) e Frieder Venus (Médico).

Sinopse: Michael Berg (David Kross) é um jovem que perambulava pelas ruas de Berlin sem imaginar que era portador de uma doença contagiosa. Quando o mesmo começa a passar mal nas ruas, recebe a ajuda de Hanna Schmitz (Kate Winslet), uma mulher rude e bem mais velha que ele. Com o passar do tempo, o jovem vai se interessando pela moça e ela por ele, até viverem um caso amoroso que irá mudar as suas vidas para sempre.

The Reader – Trailer:

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Crítica:

Hollywood parece ter caído em uma moda que confesso não ser lá muito fã: a inclusão de mais de um filme em uma única fita. Quê?! Pergunta o leitor assustado. Sim, eu sei que parece confuso, mas no fim das contas não é. Citarei alguns exemplos. Em “Batman – O Cavaleiro das Trevas” temos, a princípio, um drama policial à lá “Fogo Contra Fogo” que, ao chegar em sua segunda metade, se converte em um drama existencial onde o protagonista começa a questionar se a sua presença contribui ou atrapalha no combate ao crime organizado de Gotham City. Em “Quem Quer Ser um Milionário?” (depois do Bafta será que alguém ainda duvida que ele “leva” o Oscar de Melhor Filme esse ano?), a metade inicial que abordava a sofrida infância do protagonista teve o seu brilho ofuscado por uma estória de amor típica de um ‘filmeco’ de “Sessão da Tarde” que foge completamente do que o roteiro aparentava querer retratar em seu início. Em “Austrália” então nem se comente a fragilidade e a artificialidade com que tal recurso é empregado. O início do longa, que descaradamente pajeia clássicos como “…E o Vento Levou”, “O Mágico de Oz” e, principalmente, “Lawrence da Arábia”, se revela divertidinho, mas descamba para o piegas e o excessivamente melodramático em sua metade final, quando sentimos que a sinopse inicial do filme é abandonada sem quaisquer resquícios de sutileza e o roteiro parte para algo completamente diferente do que havíamos visto até então.

Entretanto, não é porque um filme adota este recurso “dois em um” que ele pode ser automaticamente tachado de ruim, artificial, ou seja lá o que for. Em “Batman – O Cavaleiro das Trevas”, por exemplo, o roteiro e a edição do filme se revelam sagazes o bastante para encerrar uma estória e dar início a outra de um modo que nos cative cada vez mais com a obra. A mesma coisa não ocorre com “Quem Quer Ser um Milionário?”, uma vez que a previsibilidade de sua segunda estória anula muitas expectativas que havíamos criado em cima da primeira metade do filme. Em “Austrália” o emprego de tal recurso revela-se sofrível, algo que faz com que o filme se torne inteiramente ruim. Mas e em “O Leitor”? No filme dirigido por Stephen Daldry o uso deste recurso (se é que pode ser alcunhado desta forma) é adotado a fim de mesclar três filmes em um só, fazendo com que, ao mesmo tempo em que este soe um tanto o quanto desconexo em alguns de seus momentos, revele-se intrigante durante a maior parte de sua projeção.

A princípio, o longa lembra um pouco “Um Tango em Paris”. Michael é um garoto de apenas 15 anos que vive na Berlin pós-guerra, quando o povo alemão estava com a moral baixa pela derrota sofrida durante a Segunda Guerra Mundial e pela vergonha do holocausto. Naquela época, a taciturnidade imperava entre os alemães e, seguindo o exemplo destes, o adolescente era demasiadamente calado, não possuía amigos e a sua existência resumia-se a nada. Em um dia gélido e chuvoso o jovem começa a passar mal e a vomitar pelas ruas. É aí que ele conhece Hanna, uma mulher carrancuda, mal-humorada, rude e que aparenta desconhecer todas as regras básicas de etiqueta (só para se ter uma idéia, ela testa a temperatura do ferro de passar cuspindo na superfície deste), mas que mostra o mínimo de atenção para com o jovem e leva-o até a sua casa. Michael começa a nutrir um forte e estranho interesse pela moça, passando a visitá-la com freqüência e envolvendo-se em um bizarro relacionamento onde ambos passam a fazer sexo sem nem ao menos saberem os nomes um do outro.

Durante esta parte podemos notar que o filme utiliza o caso amoroso dos dois como uma forma de retratar a estranha situação em que a Alemanha encontrava-se naquele período. Conforme já fora dito, o país encontrava-se inerte em uma profunda vergonha graças ao holocausto. As pessoas aparentavam ser frias e rudes devido aos seus comportamentos, mas na verdade eram carentes e necessitavam de ajuda. Logo, o relacionamento entre Michael e Hanna funcionava como uma forma de ambos exprimirem os seus sentimentos, em uma nação onde isso era praticamente impossível. O romance entre eles não é belo, mas sim triste, na medida em que os mantém sob uma farsa. Eles mal se conhecem, como podem se amar? E nisso, o filme peca terrivelmente ao tentar ‘glamourizar’ além da conta as seqüências envolvendo cópula carnal, uma vez que as mesmas não visam transmitir alegria, mas sim o sofrimento individual de ambos, que torna-se mútuo quando eles estão juntos.

Entretanto, o romance entre Michael e Hanna vai sendo desenvolvido de modo cada vez mais magistral pelo roteiro. Para que o garoto obtenha o direito de fazer sexo com ela, a moça passa a exigir que este a leia um livro diariamente. Logo, percebemos que um supre as necessidades de outro. Hanna é analfabeta, como conseqüência disso precisa que alguém leia uma ficção para ela, não apenas para que possa se distrair com uma estória qualquer, mas também para poder preencher as lacunas vazias de sua vida. Michael é um garoto muito solitário, a família não lhe confere atenção. Ele busca em Hanna algo muito além de experiência sexual. É nela que ele se reconforta. É nela que ele encontra um propósito para a sua vida. O casa
l se completa, pois um se apóia no outro e ambos ganham muito mais energia quando estão juntos. Energia o bastante para encararem a vida de frente.

Até este momento pensamos que o filme irá tratar somente do romance entre ambos e que iremos testemunhar o apogeu e/ou a queda de tal relacionamento. Ledo engano. O filme de romance encerra-se repentinamente e Hanna sai de cena sem mais nem menos. Oito anos mais tarde, porém, Michael torna-se acadêmico de Direito e, coincidentemente, participa de um júri onde vê a sua ex-amante (é com hífen ou não?) sendo acusada de exterminar um grande grupo de judeus em um campo de concentração (repare que “O Leitor”, a partir deste momento, assume uma postura parecida com a do excelente “O Julgamento de Nuremberg”). Hanna, de fato, tem a sua parcela de culpa, mas acaba sendo punida de um modo muito mais rígido do que realmente merecia pelo simples fato de ocultar o seu analfabetismo. Bastava dizer que não sabia escrever e pronto, sua pena cairia de um modo extremamente considerável. Mas por que Hanna não assumiu a verdade? Por vergonha. Vergonha de si mesmo, este era o sentimento pelo qual o povo alemão passava naquela época, desde o término da guerra.

O que nós, espectadores, passamos a sentir a partir de então é confusão. O filme se mostra ligeiramente desconexo entre uma estória e outra, apesar de ser bem surpreendente (quem iria esperar que uma estória de amor fosse tomar tais proporções?). Durante uma parte considerável entre o primeira e o segunda ato de “O Leitor”, sentimos que um é extremamente independente do outro e, assim, funcionariam melhor separadamente. O terceiro ato do filme, no entanto, vem para eliminar esta desconfortável sensação parcialmente (e eu disse apenas parcialmente). Passamos a ver mais relação entre o primeiro e o segundo ato, embora os dois, mesmo com o término do filme, continuem não possuindo um elo verdadeiramente completo.

Outra falha de “O Leitor” consiste em sua estrutura não-linear (hífen?). Se tal recurso funcionava magistralmente bem em filmes como “Pulp Fiction – Tempo de Violência”, “Cidadão Kane”, “Rashomon” e até mesmo no recente “Missão Impossível 3”, no longa dirigido por Stephen Daldry o mesmo estraga a surpreendente reviravolta incluída em seu roteiro. Sim, pois quando percebemos que o Michael adulto, muito bem interpretado por Ralph Fiennes, irá narrar um antigo caso de amor, logo concluímos que este não fora bem sucedido por algum motivo, e quando o rapaz passa a se relacionar com Hanna, não nos cativamos tanto o quanto deveríamos nos cativar com o relacionamento de ambos, pois sabemos de antemão que os dois irão romper mais cedo ou mais tarde.

Mas no final das contas o saldo de “O Leitor” é extremamente positivo. Se o roteiro se revela desconexo em algumas partes e a narrativa não-linear estraga uma interessante surpresa que teríamos na metade do filme, a obra ao menos realiza um amplo estudo sobre a vergonha e a frieza em que a Alemanha pós-guerra encontrava-se inerte na época retratada tomando como pano de fundo o bizarro romance entre duas pessoas completamente frígidas. E por mais que o relacionamento entre ambos seja previsível, graças a estrutura não-linear empregada pelo filme, é praticamente impossível não se cativar, de uma forma ou de outra, com o mesmo. Os responsáveis por isso, além do roteiro que os explora muito bem, são os atores que rendem atuações fantásticas, sobretudo Kate Winslet que encarna Hanna perfeitamente bem (e por mais que a atuação de Meryl Streep como a Irmã Aloysius Beauvier em “Dúvida” seja superior a de Winslet, creio que o Oscar de Melhor Atriz deverá ficar com o par de Leonardo DiCaprio em “Foi Apenas um Sonho”, como uma forma de compensá-la pelos seus trabalhos em outros filmes menos recentes) e os demais aspectos técnicos e artísticos que compõem o longa.

Obs.: Queria ter feito este comentário ao longo da crítica, mas achei que tiraria um pouco o foco da mesma, uma vez que centrei-me em seus personagens e não nos aspectos técnicos da produção. A mixagem de som de “O Leitor” conseguiu conquistar-me de modo fascinante. É incrível notarmos o profissionalismo com que os microfones foram instalados no cenário, sendo que, principalmente durante a seqüência inicial do filme, podemos ouvir com perfeição certos ruídos que só têm a acrescentar à trama, tais como: talheres tinindo, o café sendo depositado em uma xícara, uma colher se chocando contra um ovo com a intenção de quebra-lo, dentre muitas outras coisas. É uma lástima, aliás, que a Academia não tenha indicado o filme neste categoria. Vergonhoso também é não indicá-lo a Melhor Maquiagem, uma vez que o trabalho que “envelhece” Kate Winslet é praticamente perfeito.

Obs. 2: Um grande amigo meu atentou-me para um detalhe com relação a este texto. Trata-se de um erro crasso de minha parte durante a seguinte frase: “Hanna, de fato, tem a sua parcela de culpa, mas acaba sendo punida de um modo muito mais brando do que realmente merecia pelo simples fato de ocultar o seu analfabetismo.“. Ok, na verdade, eu iria colocar rígido, mas sabe-se lá o porquê escolhi brando no lugar. Enfim, um erro imbecil de minha parte, mas que já fora corrigido. Agradeço ao meu amigo Thiago Rozante.

Avaliação Final: 8,2 na escala de 10,0.

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